Baluarte acoge entre el 25 de agosto y al 24 de septiembre de 2023 los proyectos desarrollados por les beneficiaries del Programa de Ayudas a las Artes Plásticas y Visuales de 2022 en la modalidad de producción, otorgadas por el Centro de Arte Contemporáneo de Huarte y el Departamento de Cultura del Gobierno de Navarra.
Les artistas que exponen sus obras son Txaro Fontalba, Fermín Jiménez Landa, María Jiménez Moreno, Amaya Suberviola, Amaia Molinet, Marcos N. Sayas y Laida Aldaz. Cada artista ha elegido la manera de mostrar el proceso llevado a cabo a lo largo de 2022 en la realización de su proyecto. De ahí los diferentes acercamientos a obras que se enmarcan en un contexto de desarrollo artístico, de experimentación o investigación más amplio.
Programa
– Inauguración. Viernes 25 de agosto a las 19:00 h.
– Conversaciones con artistas. Jueves 7 y jueves 14 de septiembre a las 19:00 h.
A la exposición acompaña esta publicación que recoge un texto de Juan Zapater, quien formó parte del jurado que otorgó las Ayudas junto a Celia Martín Larumbe y Greta Alfaro.
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TXARO FONTALBA: CLITORIA
En 1988 me licencio en Bellas Artes, en la especialidad escultura, en la UPV/EHU. Posteriormente realizo un posgrado de escultura en Londres y participo en varios talleres en Arteleku. Mi práctica en el arte se desarrolla en el ámbito de la escultura, la objetualidad y el dibujo, haciendo del objet trouvé una parte importante de mi obra. La subjetividad femenina y cuestiones de género recorren transversalmente mi trabajo a través de temas como el imaginario del amor, la educación sentimental, el placer femenino o figuras relacionadas con la maternidad, desbaratando tópicos y arquetipos de lo femenino y cuestionando roles sexuales y sociales.
«Clitoria» es un proyecto experimental de simbolización del placer femenino, históricamente invisibilizado, simbólicamente tachado o también en ciertos lugares físicamente mutilado. Fontalba presenta “Hysterical Playground” en torno al objeto balancín, incidiendo en la contraposición entre la economía del útero y de la reproducción, frente a la del cuerpo (femenino) como lugar del placer. Y “Al aire de su vuelo” en relación al placer femenino clitórico, a través de la figura de la ascensión de la Virgen María como afirmación de la política sexual, como signo de mujer clitórica, al margen de los monoteísmos y el canon vaginal.
FERMÍN JIMÉNEZ LANDA: DULCE TRAGO AGRIDULCE
Ha expuesto en la bienal Manifesta 11, en los museos MAZ de Zapopan, Artium, Musac, CA2M y Oteiza, en Künstlerhaus Bethanien, en el Centro Botín, La casa Encendida y engalerías como Moisés Pérez de Albéniz, Travesía Cuatro, Nogueras Blanchard y Ángels Barcelona. Ha trabajado con Consonni, 1646 de La Haya y HIAP de Helsinki.
Dulce trago agridulce es un proceso y un resultado. Es la búsqueda de figuras de poder como políticos, cargos públicos y otros tipos de personas de influencia a la que se le realiza una impresión dental para hacer un molde de su dentadura superior y hacer varias copias de metal fundido. El resultado es una pieza escultórica con la que el público puede autoinfligirse un mordisco literal del poder. La pieza requiere una negociación algo perversa entre arte y jerarquía, mucha diplomacia, diálogo y humor. Quizá el momento nuclear ocurre durante unos segundos: la escultura central del proyecto es una marca efímera sobre el cuerpo.
MARÍA JIMÉNEZ MORENO: DEBAJO DE MI ALMOHADA VIVIRÁN TODAS MIS COSAS
Licenciada en Bellas Artes por la UPV, se ha formado en diferentes disciplinas y talleres. Ha obtenido varias becas, premios y residencias. Ha realizado numerosas exposiciones tanto colectivas como individuales, destacando Meditaciones en la Capilla del Museo de Navarra. Trabaja el arte textil como herramienta reivindicativa de prácticas tradicionales relacionadas con lo femenino.
Este proyecto surge a raíz del dicho popular “lo consultaré con la almohada” del que tomo el objeto almohada (cojín o similar) como elemento simbólico y punto de partida. Reflexiona sobre diferentes cuestiones de la vida cotidiana que emergen en momentos de reposo y calma, conceptos como los sueños, la fantasía, la espiritualidad, el paso del tiempo, la ausencia, el amor, la empatía, la prosperidad, la migración, el miedo, el medio ambiente, las tareas diarias, las vacaciones, el estrés o la familia. El proceso creativo se centra en la experimentación con la estampación textil, el bordado y la costura. El resultado final es una serie de 16 piezas escultóricas textiles vinculadas con el diseño de mobiliario doméstico. Cada una de las obras nos evoca un lugar, una estancia o una emoción, en relación con los conceptos trabajados.
AMAYA SUBERVIOLA: TRADUCCIÓN DE PANTALLA
Nació en 1993 en Mendavia, estudió Bellas Artes en la UPV/EHU, dónde también realizó un Máster en Pintura. Ha expuesto individualmente con galerías como Lumbreras (Bilbao) o Di Gallery (Sevilla). Ha obtenido premios como Propuestas Vegap o el Premio BMW de Pintura, beca Mario Antolín.
Este díptico se produce con una lógica de composición similar a lo que ocurre mediante la superposición de ventanas con imágenes abiertas en el escritorio del ordenador. El lienzo va madurando a medida que dialogan capas y fragmentos de imágenes traducidas a pintura según las necesidades de la propia obra. El resultado son dos escenas dónde la autora oculta a la vez que deja ver a través de espacios que actúan como mirillas a estados anteriores del lienzo. El trabajo de Amaya Suberviola se gesta desde una intención de abordar la pintura desde una visión contemporánea, influenciada por la forma de mirar de la época que nos envuelve. Para ello Suberviola se detiene en las características particulares de las imágenes y sus contenedores propios de su generación, planteando una traducción a pintura. Insiste en la importancia del concepto traducción o interpretación, casi como un modo de estar comprometida con su tiempo y de dar el valor que se merece a la pintura no solo como técnica, si no como lenguaje.
AMAIA MOLINET: LA IDEOLOGÍA DEL AMOR
(1988) natural de Lodosa (Navarra) trabaja y vive en Bilbao y Cluj-Napoca. (Rumanía). Doctoranda en Investigación en Arte con el proyecto de tesis “Fotografía y Territorio. Múltiples Acontecimientos Atravesados por el Amor” en la Universidad del País Vasco UPV/EHU. Desarrolla su práctica artística desde una fotografía expandida, abordando la relación entre territorio e identidad, y poniendo en valor lo simbólico de los elementos del paisaje. Ha recibido becas y premios por organismos como el Solomon R. Guggenheim Museum New York, INJUVE Ministerio de Cultura de España, Eremuak y Gobierno Vasco, C arte C Madrid, Centro Huarte y Departamento de Cultura de Navarra, o la Fundación BilbaoArte Fundazioa, llevando a cabo proyectos site-specific, exposiciones individuales y colectivas, o estancias en residencia artística en el Sahara Occidental, Islandia, Argentina, Chile, Austria, Rumanía, Eslovaquia, Estados Unidos, Francia y España.
En el caso de los spomeniks, término que se traduce como monumento, estos tienen una evidente función conmemorativa desde la estética, que no sólo alude a una ideología adscrita a la forma de gobierno de su época, sino que son capaces de aglutinar la proyección de una identidad común en unos territorios muy complejos. Centro mi interés en lo que supone cada una de estas intervenciones en el paisaje de diversos puntos de nuestro continente. Son construcciones de cemento y hormigón construidas y ordenadas a construir por hombres. Incluso su presencia impositiva, si tuviese género, diríamos que culturalmente se construye y se percibe como algo masculino. Desde un interés por cuestiones relacionadas con la memoria histórica y desde un cierto prisma ecofeminista se plantea una lectura personal de diversos emplazamientos donde se pueden encontrar spomeniks y bunkers. Quiero que el ‘amor’ sea mi motivación y la metodología de trabajo mediante la que poder atravesar y recorrer simbólicamente la historia de nuestro continente, para permitirnos una relectura a través del arte contemporáneo, y abrir la posibilidad a unos relatos otros. Entiendo que el amor tiene que ver con deseo y fascinación, pero también con afecto, cuidado y reparación, y es desde esta última lógica desde donde he querido operar.
MARCOS N.SAYAS: MURMURO
Pamplona, 1999. Marcos Navarro Sayas cursa sus estudios de Bellas Artes en Valencia para luego trasladarse a Madrid, donde reside actualmente. Su trabajo, que se compone principalmente de detalladas pinturas realizadas con acuarela, tiene sus raíces en la naturaleza salvaje y el mundo mágico y mitológico de Navarra, que expandido a través de un lenguaje personal lleno de símbolos y metáforas da lugar a un universo pictórico silvestre donde animales y personajes solitarios conviven entre bosques y campos de bruma.
El bosque tiene su propio idioma, el murmuro: un suave conjunto de sonidos que ocultan un universo tras de sí. Los trabajos que componen este proyecto buscan ahondar en todo aquello que se esconde tras el murmuro; nacimiento, muerte, dormir, despertar, realidades y fantasías que plagan nuestros sueños y nos llevan a imaginar en el bosque un mundo paralelo.
LAIDA ALDAZ: TO LET GO
Laida Aldaz Arrieta (Iruñea, 1980) es una artista multidisciplinar con un interés especial en la hibridación de las artes. Sus obras centradas en la relación entre el cuerpo y el espacio reinterpretan lugares no escénicos dotándolos de otro significado y transformándolos en escénicos. Crea la asociación cultural «El Trastero Creativo» y el festival «Zinetika», que explora las relaciones entre la danza, el cine y las nuevas tecnologías, y co-dirije de La Faktoria Choreographic Center.
To Let go es un libro de poesía visual de grandes dimensiones que contiene incrustadas 4 pantallas en las que aparecen diferentes imágenes en movimiento cada vez que se pasa una página. En ellas se pueden ver personas atadas a objetos y entre sí, que evocan la imposibilidad de dejar ir.
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