Exposición: Cien disparos y una figura
Artista: Alfonso Ascunce
Produce: Centro Huarte/Gobierno de Navarra
Ayudas a la Creación en Artes Plásticas 2012. Gobierno de Navarra.

Desposesión y catarsis caracterizan las obras de Alfonso Ascunce como resultado de un proceso continuado de trabajo. En "Cien disparos y una figura" este proceso se concreta en un centenar de piezas que recorren la historia de la pintura, y en una matriz para figura de mujer, compendio de múltiples iconografías, a partir de la que crear esculturas en diferentes materiales.

Un trabajo pictórico que en parte se sitúa, como explica el autor, a "modo de cuña" justo antes del periodo de entreguerras, momento que históricamente supuso en pintura una deriva hacia concreciones dramáticas que quebraron la evolución de lo que se estaba haciendo.

Es por lo tanto un reivindicación de la pintura y su potencial frente a cierta idea de progreso. También supone una apuesta por el presente así como por la experiencia y la cultura.

Así la idea de la cultura y de la Cultura de la pintura aspira a convivir con la tensión necesaria de lo vivo, la acción y la memoria. De ahí la temática del retrato, la cabeza, como icono, como fuerza primaria y acceso a la sensible. Pero también como elemento ordenador, que ordena y da forma.

Por su parte, la figura que surge de la matriz, es un modelo neutro creado a partir de miles de imágenes de arte clásico, de canon, de ismos, de pop, de papel, de anatomía, de afectos, de pasado... para de esta forma absorber toda la iconografía posible. A partir de ahí Ascunce realiza copias en diferentes materiales, para poder trabajar en distintas posiciones, crear grupos.

Así la figura original se convierte en una especie de Eva bíblica, en el tronco de un árbol del que emergen tantas ramas empujadas al espacio.

Sala 1
Exposición: Arbeit macht Frei
Artista: Fermín Diez de Ulzurrun
Produce: Centro Huarte/Gobierno de Navarra
Ayudas a la Creación en Artes Plásticas 2012. Gobierno de Navarra.

Fermín Diez de Ulzurrun comenzó a trabajar en el año 2012 en su proyecto multidisciplinar ARBEIT MACHT FREI (el trabajo os hará libres) que ha sido destacado con las Ayudas a la Creación en Artes Plásticas y Visuales del Gobierno de Navarra.

Como indica el artista, "en un determinado momento, asumo el hecho de cómo el prisionero del campo de concentración de Auschwitz que construyó el letrero, invierte la "B" como acto de rebeldía contra los nazis como un acto de resistencia. Es, este gesto, al que doy toda la relevancia al activar en mi trabajo un mecanismo muy sencillo de identificación de la verdad, la propia disposición de la obra".

También es la inspiradora del "work in progres" MASLOW EXERCISES, un manual compuesto por diferentes artículos, notas de opinión u obras que aportan ideas, actitudes, posicionamientos e incluso un imaginario.

Estas ideas tienen como objetivo servir de posicionamiento para subvertir los procesos de inversión de la pirámide de necesidades humanas, en la que nos ha situado una crisis de valores, que es la que realmente ha conducido a la crisis financiera, económica y social. Está búsqueda se refleja, por ejemplo, en la obra de grafito sobre papel, "Maslow invertida".
Esta exposición reúne fotografías e impresiones digitales, grafito sobre papel, obras trabajadas partir de acero, aluminio fundido o bronce, en lo que lo humano y lo animal se entremezclan, bajo proclamas propagandísticas y publicitarias.

Y llega a plantear, como en una de las piezas de Fermín Diez de Ulzurrun, construida con billetes de dólar recortados o en la pintada de un muro en un paisaje de devastación post-industrial: CAPITALISM NEVER HAPPENED.

Sala 2

Exposición: Bricolajismos y otros menesteres hechos a medida.
Hágaselo usted mismo
Artista: Alvaro Gil
Produce: Centro Huarte/Gobierno de Navarra
Ayudas a la Creación en Artes Plásticas 2012. Gobierno de Navarra.

Hágaselo usted mismo, del artista Alvaro Gil, desarrolla, a partir de los intereses del autor por la repetición serial, la superficie conceptual y la estética de lo constructivo, tres esculturas idénticas en la forma, pero con diferentes acabados de color. Todo ello estableciendo un diálogo cómplice con unas instrucciones de montaje.

El autor parte de formas mentales lógicas, como los rombicosidodecaedro, con sus 62 caras; 12 pentágonos, 20 triángulos equiláteros, 30 cuadrados y 120 aristas, y realiza un calculo matemático que le permite dar forma a su imaginario de marcado tono racional.

La única vía de escape que plantea el artista tiene que ver con el gusto y la decorativo. A pesar de que las esculturas son extremadamente cerradas, poseen la cualidad de poder variar y ser recombinadas, ya que todos los componentes que se añaden al sólido son autorroscantes.

Una vez que dispone de tres estructuras idénticas como punto de partida, es el acabado pictórico de las mismas la que disipa, remarca o descompone las formas geométricas, como una piel personalizada, que remite tanto al universo Custom como al de Ikea.

Por eso, uno de los objetivos de este proyecto es introducir en el plano artístico las nociones de "color a la carta" y de pieza que se "recombina al gusto". Al que se suma el lenguaje visual desarrollado en unas instrucciones de montaje que dejan una apertura al entendimiento y a la autoconstrucción manual y mental.

Sala 2
Exposición: Una cosa
Artista: Irantzu Sanzo
Produce: Centro Huarte/Gobierno de Navarra
Ayudas a la Creación en Artes Plásticas 2012. Gobierno de Navarra.

Esta exposición surge de un proyecto que se define por los diferentes niveles inherentes al proceso artístico actual, en concreto a lo que concierne al código fotográfico y escultórico.

"Una cosa" se basa en la creación de un laboratorio fotográfico-escultórico que funcione como una fuerza conductora de la experimentación y de la experiencia artística.

Se presenta como una estrategia que toma posición y se establece como una suerte de reflejo diferido de las condiciones de la producción artística. Por lo tanto, el laboratorio es un sistema práctico que permite a la artista aproximarse a una reflexión de la propia práctica.

Esta manera de contemplar la producción es autorreflexiva y le da la oportunidad de trabajar la obra desde dentro, es decir, desde su propio proceso, estructura y contexto.

Como lo define su creadora: "La misma mirada, el mismo movimiento" es un proceso, una investigación, una aventura, un sistema y un laboratorio de imagen.
Por sus propias características, este proyecto no pretende tanto la realización de obras concretas sino, más bien, apuntar los cauces de una experimentación. Así este trabajo consiste en plantear nuevas maneras de estructurar la imagen a partir de la investigación y la experimentación en arte.

Sala 2
Exposición: Untitled
Artista: Javier Arbizu
Produce: Centro Huarte/Gobierno de Navarra
Ayudas a la Creación en Artes Plásticas 2012. Gobierno de Navarra.

La apariencia de anacronismo, la sensación de déjà vu y la dimensión de lo extraño como un escrutinio de lo cotidiano (unheimlich) cobran un papel importante en la propuesta pictórica de Javier Arbizu.

Imágenes, en suspense o ininteligibles que son capaces de hacernos reflexionar sobre lo que estamos contemplando, cuestionando así las implicaciones de la memoria, la naturaleza de nuestra experiencia, la interpretación del hecho artístico y la función de la producción de imágenes en el ámbito del arte contemporáneo.

La anulación de lo relevante es una de las claves; borrar pistas en la imagen de manera que lo que prevalezca sea la tensión inherente del objeto representado. La imagen final aparece en el lienzo tras varias capas de veladuras, borrados y frotados sobre la tela engomada e imprimada en crudo.

Una técnica pictórica que minimiza al máximo el proceso de aplicación de pintura y descripción del color, forma y luz; con el objetivo de plantear una tensión muy específica: generar espacios sugestivos, suspender los objetos, modular la luz, provocar vibraciones, matices y calidades concretas ofreciendo una experiencia capaz de seducir al espectador.

De esta forma sus cuadros se encuentran en una fase previa a la manifestación plena de la imagen figurativa. Son imágenes inconclusas o borradas que a veces rozan la abstracción y que implican la participación del espectador para su reconstrucción.

Sala 2
Exposición: Ehime Daruma
Artista: Patxi Araujo
Produce: Centro Huarte/Gobierno de Navarra
Colabora: Telesonic
Ayudas a la Creación en Artes Plásticas 2012.

Ehime Daruma es un complejo interdependiente formado por elementos mecánicos, electrónicos y virtuales, por la significación de otras unidades descontextualizadas o a-tecnológicas (hilo, muelles, arandelas, anzuelos, discos de vinilo taladrados y un lecho de harina) y por el conjunto de relaciones que se establecen entre el público y ella misma en un entorno de luz y oscuridad, en blanco y negro.

Tomando como punto de partida la leyenda del sabio Daruma, la obra ofrece una lectura sobre aspectos vinculados a la relación de las máquinas con su entorno; plantea el reto de la fusión de su propia naturaleza dual (real/virtual) en una sola, y aporta datos para el encuentro entre el humano y la máquina.

Desde un punto de vista más especulativo, y mediante la percepción que surge en ese peculiar encuentro meditativo humano-maquinal, invita a la reflexión acerca de la influencia del pensamiento sobre la materia. Desde un umbral llamado tesitura de volatilidad (capaz de reflejar sus tensiones, decisiones y dudas) Ehime Daruma construye el lugar en donde confluyen lo físico-mecánico y lo virtual. Buscando su propio espacio pero teniendo siempre en cuenta lo que ocurre en su entorno próximo.

Ehime Daruma crea conexiones consigo misma desarrollando un comportamiento público, extrovertido, y otro privado, de recogimiento.

A través de la proyección del ser que habita su espacio y de su funcionamiento físico, bascula entre el estímulo exterior y su tendencia al ensimismamiento. Irremediablemente atraída hacia alguno de estos dos polos (como si de un castigo eterno se tratara), se busca en la presencia y en el movimiento del otro, o en su ausencia. A la vez provoca el deseo en el espectador de ver cómo se mueve, o de permanecer invisible junto a ella.

El hecho de ofrecer en el exterior de su propio entorno la imagen en el tiempo de las trayectorias que como público visitante describimos a su alrededor, nos incluye como parte de una dinámica de partículas invisible para nosotros pero evidente para ella, relativizando nuestro papel protagonista y trasladando las preguntas que hemos formulado a nuestro propio comportamiento.

El hallazgo de un archivo de fotografía familiar, propio o ajeno, es el origen de las tres series de imágenes que componen la exposición "MYALBUM. Bienvenido al reino de la apariencia". María Alché, Paco Gómez y Maider Kuadra encuentran en estas fotografías olvidadas un material valioso para crear nuevas imágenes. Por su parte, 
María Zafra extrae del archivo familiar las cintas de un cine doméstico, hecho por y para los miembros de una misma familia. En "Memorias, norias y fábricas de lejía", María Zafra realiza un sutil montaje de las imágenes de momentos felices, que se acompaña de una voz en off y de algunos textos.

Buscan reinventar los instantes vividos, apropiándose de ellos en un intento fantasioso de retar la memoria. Y las historias que se desprenden de ellas suenan en un idioma que nos es familiar, porque en todas hay abuelas o abuelos, niñas o niños, casas y playas, celebraciones y sueños incumplidos.

En esta exposición conviene hacerse unas preguntas sencillas para atravesar la superficie de la imagen y penetrar en el laberinto engañoso de los recuerdos. ¿En qué lugar se tomó la fotografía? ¿Cuándo ocurrió la escena y cuándo se sacó la fotografía? ¿Recientemente o hace muchos años? ¿Quién es el autor? ¿Qué relación tiene el autor con las personas retratadas?

Miren despacio las imágenes, fíjense en los detalles, los rostros y las vestimentas. Y no se pierdan los títulos, ahí se encuentran algunas claves.

Peso, volumen, permanencia, solidez... son conceptos vinculados a lo que entendemos tradicionalmente por escultura que no encontramos en la obra de Tom Carr la cual ensalza el equilibrio inestable, lo ingrávido, lo etéreo, lo inmaterial, ...no se mantiene pasiva, se desplaza, transforma ámbitos, sugiere entornos y crea sensaciones visuales efímeras.

Para ello se vale de recursos como el movimiento o la luz, el color, la caligrafía espacial, la forma virtual. Lo que valora el artista a la hora de definir proyectos como éste, en el que se presentan obras inéditas de gran calado, es la capacidad de visualizar la idea, transformar el espacio, configurar un ambiente mental y suscitar una "sensación" (percepción, evocación, emoción) una experiencia participativa, estética y poética capaz de calar en la sensibilidad el espectador. 

Tom Carr da una vuelta de tuerca al concepto de levedad y de minimización que la escultura ha sufrido desde la época de las vanguardias situándola al borde de su ausencia física, de sus límites, a partir de una inusual economía de medios. No se interesa por lo firme y permanente sino por lo dinámico, cambiante, frágil e ilusorio (y fugaz como el propio pensamiento), de ahí que su modelo en la naturaleza pueda ser una minúscula medusa, pero también la nube, el junco, el relámpago o el trazo que describe el vuelo de un insecto.

En el estado actual de su evolución hacia la desmaterialización de la escultura el artista ha querido titular la exposición con el nombre de una medusa. De alguna manera se ha sentido inspirado por la "Turritopsis", un minúsculo hidrozoo que ha revolucionado el mundo de la biología por su insólita capacidad para revertir su proceso vital y regenerarse indefinidamente.

La pequeña medusa apenas tiene una forma definida, es evanescente, pero tiene colores vivos dentro de su cuerpo transparente y luminoso, es vulnerable pero posee esa capacidad de regeneración continua ante situaciones adversas, de perpetuarse sin fin y de readaptarse a cualquier lugar. Ciertamente existen conexiones de tipo metafórico con la obra del artista, con sus preocupaciones conceptuales y con esa alusión a los imprecisos límites de la escultura, su fragilidad, nomadismo y su capacidad constante de renovación, readaptación y cambio.

Los componentes actuales, todos ellos ex-alumnos de Tom Carr en la Escola Massana, son Massimiliano Moro, Lourdes Santandreu Planas y Candice Vielle. En esta muestra -que conecta conceptualmente con la exposición de Carr- presentan proyectos individuales y colectivos en torno al empleo de recursos como la luz, las proyecciones y el reciclaje.

Su objetivo consiste en configurar una propuesta creativa coherente, dinámica, visualmente atractiva y de cierta complejidad a partir de elementos de la máxima sencillez y que, al mismo tiempo, sea capaz de captar la atención del espectador y estimular su participación activa.

Por los días felices (fotografías)

"Hace mucho tiempo que es un lugar común la afirmación de que el arte no se hace para el entendimiento, por más que ahora la deriva conceptual nos arrastre a todos a las cercanías del intelecto y al descrédito de lo sentimental. Viendo, una y otra vez, las fotografías de Miguel Leache realizadas en viviendas que acaban de ser desahuciadas, no puedo por menos que considerar -es algo que, por otra parte, vengo haciendo obsesivamente- las imposibilidades del medio fotográfico. ¿Por qué queremos siempre que la fotografía nos diga más cosas de las que puede decir? ¿Y por qué, al mismo tiempo, nos empeñamos en negarle facultades ligadas a lo emocional?

Hay un vínculo entre esas dos preguntas. El registro fotográfico de esos escenarios del desahucio sugiere muchas consideraciones de todo tipo, pero una de las más significativas, en mi opinión, es justamente la tensión entre lo racional y lo emocional. Si yo fuese el autor de estas fotografías diría que es la tensión entre la tragedia que la imagen fotográfica no puede o no sabe contar y lo que siente mi corazón. Creo detectar esa tensión a lo largo de todo este trabajo. Tal y como yo la entiendo, es la tensión que está siempre en la médula de la empresa fotográfica."
Carlos Cánovas
(Extracto del prólogo al libro-catálogo "Por los días felices", de Miguel Leache, editado por ken | libros del murciélago)

El camino de las banderas (video)
"En los bordes de nuestras ciudades se entreteje la materia de la que están formadas. Rotondas y farolas que aún no alumbran el paso de los peatones aparecen a un ritmo irregular alrededor de un centro cada vez más difuso. Las orillas de las poblaciones nacen deshilachadas y continúan inermes mucho tiempo después de que lleguen los primeros vecinos. Durante años, el aire de provisionalidad no desaparece y todo tiene un aspecto de terreno mal conquistado, a golpes, sin ley.
Hay una bandera que ondea al viento del invierno y su sombra se proyecta sobre los hierros de un encofrado. Un poco más allá, se ha encendido la luz de un dormitorio: la primera familia que viene a vivir al barrio."

Miguel Leache

A partir de las iniciativas galardonadas, y con la producción y el apoyo técnico del Centro Huarte, los artistas han tenido la oportunidad de profundizar y ampliar sus proyectos hasta componer cinco exhibiciones que generan cada una de ellas un diálogo propio y diferenciado con el espacio expositivo. Además, cada uno de los creadores protagonizará con encuentro con el público e impartirá un taller. Las exposiciones podrán ser visitadas hasta el 13 de enero de 2013.

De esta forma en la Sala 1, Peio Izcue Basail (Pamplona, 1974) presenta Baso Hil una exposición en la que incide en la conciencia del paso del tiempo para establecer un debate, no exento de ironía, sobre la saturación existente de imágenes y la figura del fotógrafo como autor o prescriptor.

También en la Sala 1 y con La teatralidad de la muerte, Andrea López Goñi (Pamplona, 1982) plantea un recorrido reflexivo por lo sagrado. Un camino entre vacíos y espacios físicos, entre luz y oscuridad, entre lo corpóreo y lo anímico. Luz que corresponde a la vida, hueso que responde a la muerte.

En el gran espacio que constituye la Sala 2 del Centro Huarte, Venceremos de Taxio Ardanaz (Pamplona, 1978) cuestiona bajo qué formas y volúmenes se materializa en la actualidad la representación de realidades sociopolíticas. Así el autor trabaja sus piezas pictóricas y elementos escultóricos a partir de la reinterpretación de la arquitectura memorial.

Por su parte, Naroa Armendariz (Pamplona, 1981) con Pintura Mural lleva al límite las sensaciones que aporta lo pictórico través de la expansión del trabajo en forma de murales en los que el espectador se ve envuelto.

Así mismo en la Sala 2, Con Líneas de Atracción, Óskar Ranz (Pamplona, 1974) construye ilusiones perceptivas de inestabilidad, vibración y confusión. De esta forma genera geometrías dinámicas que suponen una reflexión "de la pintura desde la propia pintura" con unas piezas en las que el acabado, en apariencia industrial y cuasi-digital, enmascara lo manual y artesanal de las mismas.
 

Ayudas a la creación en artes plásticas y visuales. Gobierno de Navarra.La exposición de Andrea López Goñi plantea un recorrido reflexivo por las veredas de lo sagrado, en un camino entre vacíos y espacios físicos, entre luz y oscuridad, entre lo corpóreo y lo anímico, que, a través de la expresión artística, encuentra un espacio simbólico para su representación. Ampliando su proyecto La teatralidad de la muerte, la artista va más allá en su propuesta a través de la exploración de lo luminoso. Luz que corresponde a la vida, hueso que responde a la muerte.

Como elemento de fondo, las obras presentadas investigan los rituales asociados a la muerte en Europa, que nacen como respuesta al dolor provocado por ésta, a la negación de la destrucción de lo físico como final inevitable. La creadora profundiza en los aspectos mágicos, sagrados, teatrales de unos ceremoniales que también simbolizan la vida en su intento por representarla. Una representación, un artificio, que los vincula con el arte.

De ahí que Andrea López también analice la relación entre arte y dolor, angustia y expresión artística a lo largo del tiempo. En el Centro Huarte pueden verse tres conjuntos que establecen un diálogo entre lo permanente y lo perecedero. Con Reir son las cajas de luz las que, relacionadas con el mundo de lo distorsionado y de lo vano, transcienden a una muerte frivolizada y homenajeada.

La Tea plantea desde una vídeo-creación multicanal proyectada sobre las paredes, de forma envolvente, mientras que VLDM juega con lo textual para abordar la atemporalidad de la muerte y la eternidad de la vida.

Andrea López Goñi
Andrea López Goñi (Pamplona, 1982) está licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Granada y actualmente está cursando el Master de Creación e Investigación en Arte en la Universidad del País Vasco. Esta artista ha realizado varias exposiciones individuales entre las que destaca la que tuvo lugar en la National Academy of Arts de Sofia (Bulgaría), así como la que tuvo lugar en la facultad de Bellas Artes de Granada. Asimismo, en 2007 realizó una residencia artística en la Asociación Cultural Agora de Viena (Austria).

Baso Hil es un proyecto cuyo título, bosque muerto, proviene de la etimología del segundo apellido del autor, Basail, alusión irónica a la naturaleza del medio fotográfico, que sólo es capaz de registrar "naturalezas muertas". A partir de esta premisa, Peio Izcue Basail profundiza en la conciencia del paso del tiempo, bajo el prisma del temor a la muerte y de las pequeñas huellas que el individuo deja en lo cotidiano. Además, el artista muestra un debate personal entre la saturación existente de imágenes y el fotógrafo como autor y entre la postura de éste como prescriptor y la posibilidad de seguir haciendo fotografías.

Izcue plantea tres series: Baso Hil, a partir de una selección de imágenes del archivo fotográfico del departamento de ingeniería donde este creador desarrolla su labor profesional, y cuyo objetivo de origen es el documental. Más allá de la apropiación, aquí las fotografías son utilizadas para subvertir su lenguaje y crear un relato personal.

Molger escarba en los estereotipos del caudal de imágenes protagonizadas por personas anónimas en los videos pornográficos que pueblan Internet. Unas representaciones ilusorias y especulaciones equívocas, dictadas por la compleja mezcla del mercado, las normas sociales o los instintos humanos más básicos.

La serie Einstellung toma el nombre alemán de la tendencia, en psicología, a persistir en un tipo de actitud aún a sabiendas de que conduce al fracaso. A partir de una reflexión sobre la relación de la fotografía con la muerte, cercana a la necromancia por su capacidad de detener y volver atrás el tiempo, Einstellung se basa en la iteración. Registros de lo efímero en la vida cotidiana: cocinar, dormir, limpiar, ducharse, peinarse, hacer un café... Una monotonía que no puede evitar el destino final.

La obra de Taxio Ardanaz Ruiz interconecta lo ideológico y político con una visión contemporánea y artística, que genera un discurso plástico del que emana una gran autonomía conceptual y estilística. El proyecto expuesto en el Centro Huarte parte de una investigación en torno a dos ejemplos de representaciones "memoriales", ambos construidos en 1938: el Monumento a la XV Brigada Internacional de la Sierra de Pándols en Cataluña y el Monumento a la Revolución Mexicana en Ciudad de México.

Desde la representación exaltada del poder y de la fuerza revolucionaria de forma cercana a lo sobrenatural, a la reafirmación de la lucha proyectada en el futuro a través de la promesa y el homenaje entre compañeros de batalla, Taxio Ardanaz ofrece una nueva luz sobre estos espacios. Desde la invisibilidad y el abandono de uno y la sobreexposición -de luz y significados- del otro. En un tiempo, el actual, donde los símbolos mueren y la ilusión se agota.

Esta exposición se enmarca en un trabajo más amplio que estudia los conjuntos monumentales que buscan perpetuar la memoria y el heroísmo de los caídos, bajo una mirada antropológica que los cuestiona tras la desaparición de las condiciones intelectuales y morales que los vio nacer. Así mismo el autor los relaciona con otros movimientos ideológicos y populares que han desarrollado estrategias de "estetización" de la política.

Se trata de provocar a través de diferentes medios (escultura, pintura, fotografía, elementos documentales) una nueva tensión que nos permita reflexionar sobre la capacidad del arte para hablar, en cualquier momento histórico, de la fe o el compromiso y su valor político.

Taxio Ardanaz Ruiz
Taxio Ardanaz (Pamplona, 1978), licenciado en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco, ha expuesto de forma individual en espacios como Ateneo Español de México, AN Studio (México) o RMS El Espacio (Madrid). Ha participado en exhibiciones colectivas en Pekín en la EGG Gallery, en 798 Space y en el MA Studio, así como también en el Artium de Vitoria o el museo Gustavo de Maeztu.

El proyecto de Naroa Armendariz parte del empleo de la pintura como elemento expresivo para llevar al límite las sensaciones que esta aporta a través de la expansión del trabajo en forma de murales. Así al invadir el espacio que les rodea y al interactuar con él, este se convierte en parte de la obra, mientras que el espectador queda dentro. Una vinculación física que genera una vinculación emocional.
Naroa Armendariz abunda en ciertas libertades existencialistas y psicológicas del expresionismo abstracto a partir de las sintaxis basadas en la deformación de líneas, ritmos y en la intensificación del color. También se apoya en la acción del movimiento del cuerpo en el acto de la ejecución de sus obras.
Esta creadora investiga en sus murales cinco niveles de la pintura, entendidos como impulsos de acción creadora o actos. Así vive la pintura como acto motor, como acto sensorial (y hedonista), como acto expresivo (y liberador), como acto experimental (y de investigación) y como acto espiritual.
La exposición se completa con un vídeo que documenta el proceso creativo, con el objetivo de acercar su obra al público.

Naroa Armendariz
Naroa Armendariz (Pamplona, 1981) es licenciada en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco y ha realizado exposiciones individuales en el Palacio Aramburu de Tolosa, en la Ciudadela, en Civivox Iturrama y en el Palacio Vallesantoro de Sangüesa.
La Universidad de Los ángeles, Arteleku, UNED de Vizcaya, el Museo Vasco o la Maison Pour Tours (Francia) han sido algunos de los espacios que han acogido exposiciones colectivas en las que ha participado esta artista. También ha sido ponente en diferentes conferencias y talleres sobre pintura abstracta.