A partir de la labor documental y de investigación sobre el mundo de la danza y la coreografía realizada por el Ministerio de Asuntos Exteriores y Europeos (DAE-Dirección de audiovisual exterior) y el Centro Nacional de Cinematografía (Servicio de Difusión Cultural-Catálogo Imágenes de la Cultura) esta exposición construye un paisaje a partir del arte del movimiento como expresión de la cultura contemporánea. La exposición se enmarca dentro del Festival de Danza Escena.

Esta es la primera vez que una selección de este conjunto de documentos audiovisuales podrá ser conocida por el público en forma de exposición, poniendo en relación lo escénico y lo plástico bajo el prisma de las artes.

Alrededor de cinco espacios
La exposición se divide en cinco espacios con diferentes propuestas:el movimiento, el proceso de creación, el léxico de la danza, los espacios de la danza y conversaciones en torno a la danza. 

•Imagen extraída del vídeo perteneciente a Pavillon Noir Paysages Chorégraphiques Contemporains, editado para CulturesFrance por el Ministère des Affaires Etrangères et Européennes. 

Comisariada por Xavier Rovira, de liquidDocs, acerca el mundo de las creaciones, las trayectorias, el trabajo y el proceso de los coreógrafos, performers, intérpretes y dramaturgos, abriendo un inédito y enriquecedor diálogo entre ellos y el público.
La exposición-instalación se produce específicamente para Huarte a partir de un trabajo previo que se extiende a lo largo de un trienio y del que únicamente se ha podido ver una parte en el museuEmpordà en Figueras.

De esta forma, las instalaciones se crean específicamente para el Centro Huarte con el objetivo de que continúen su crecimiento y desarrollo en el propio espacio expositivo, dentro de un proceso de interacción constante con el público. Como elemento diferencial, esta relación física y conceptual con los visitantes se mueve en diferentes niveles: el general, el pedagógico hacia el público escolar y el especializado hacia los profesionales y artistas de la danza, la performance y las artes escénicas.

Además, el contacto con las personas que acudan al Centro transcenderá los límites del espacio expositivo con la posibilidad de plasmar su experiencia on line en tiempo real a través de dispositivos móviles.

Hacer y (des)hacer es, como su nombre indica, un proceso activo, siempre cambiante que irá mutando a lo largo de su vida en Huarte, y que aporta al público un acercamiento vivencial a las artes escénicas, como elemento fundamental de la cultura contemporánea. 

Una exposición en acción. Y un reto: cómo coreógrafos, performers, intérpretes y dramaturgos, no sólo son capaces de compartir, desvelar y dialogar sobre su proceso creativo, sino, además, ampliar esa fuerza creadora hacia elementos físicos, propios de las artes plásticas, procesos puramente analógicos y corpóreos, interacciones digitales... mostrando que no existen fronteras en la cultura contemporánea. Ni entre las diferentes disciplinas, ni entre los artistas y el público.

Javier Roldán Asurmendi, PIN, desarrollará para el Hall del Centro un mural basado en la técnica del graffiti que plantea una visión del movimiento, la vida, el Hip Hop y el arte, inspirado en elementos de la iconografía urbana.
Por un lado estaría el ojo que capta una serie de instantáneas sacadas de las calles.

La ruptura de este ojo como si se tratase de un fino cristal, mediante la secuencia de imágenes que chocan contra él, otorga a la obra de un cierto sentido metafórico e interpretativo. La orientación y desplazamiento de los cristales insinúa un movimiento que describe la propia mirada.

La mirada es la serie de imágenes con un aspecto más lineal y dinámico. Encontramos así zapatillas con cordones anchos, aerosoles, rotuladores, Break Dance, música, pájaros volando... movimientos libres.

La tercera sala continúa con el recorrido de Hacer y (des)hacer proporcionando un espacio para la reflexión, el estudio, los talleres y la expresión que amplía el concepto de Centro de documentación y recursos y que permite la inmersión en el innovador proyecto liquidMaps

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Espacio de documentación liquidDocs
Como un Centro de Documentación que adquiere la fluidez propia del espacio escénico, esta sala plantea propuestas para diferentes tipos de público: el especializado que podrá disponer de material documental sobre los procesos creativos de coreógrafos, performers y escenógrafos. Y el general que podrá completar la visión ofrecida en la sala 2.

Virtual network liquidMaps (www.liquidMaps.org)
Gran parte de la sala irá destinada a la Virtual network liquidMaps cuyo lanzamiento se realizará desde el Centro Huarte. Supone la primera plataforma on line de información multimedia e inmediata sobre la creación en el arte del movimiento. Se proyectará sobre una de las paredes y permitirá a los usuarios acceder a esta experiencia en gran formato. Un proyecto de liquidDocs y SITEM.

liquidMaps es un hub online que conecta agentes, entidades y organismos del panorama cultural europeo e internacional para favorecer la comunicación, cooperación e innovación sociocultural. Desarrolla un núcleo virtual internacional que tiene por objetivos investigar y dinamizar espacios de creación y reflexión entre diferentes actores, espectadores y colectivos.

Todo ello a partir de un mapa-red sobre la plataforma GoogleMaps®, que permite rastrear, de forma visual e intuitiva, los procesos y obras de los creadores, así como los centros, instituciones y empresas que los acogen, producen y difunden.

Como pionero en su utilización, el Centro Huarte adquiere la capacidad de difundir contenidos en tiempo real y pasa a formar parte de una red de instituciones, centros de difusión y creación a nivel internacional.

Audiovisual Hacer y (des)hacer: Joana Hurtado + Sònia Gómez
Conversación que aborda los procesos de representación y exposición de la creadora en liquidDocs. Análisis del proceso que se lleva a cabo para poner en palabras algo tan instintivo y complejo como es el movimiento.

Espacio Nintendo
Entorno interactivo para el fomento del movimiento, la danza y la expresión corporal a través del juego. Con la colaboración de Nintendo.

Organiza: Gobierno de Navarra y Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC)

Con motivo del Bicentenario de la Guerra de la Independencia, la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC), bajo la coordinación del Ministerio de Cultura, y el Gobierno de Navarra han organizado la exposición LIBERTAD IGUALDAD FRATERNIDAD en la que se ha invitado a 15 artistas españoles, 14 franceses y 2 portugueses a presentar una obra que plantee el estado de desarrollo de estos tres ideales de convivencia de la sociedad moderna nacidos al calor de la Revolución Francesa en 1789.

El francés Bernard Marcadé y la española Isabel Durán son los comisarios de esta muestra que reúne en Huarte Centro de Arte Contemporáneo las propuestas de los siguientes artistas: Antoni Abad, Jean-Michel Alberola, Elisabeth Ballet, Christian Boltanski, José Manuel Broto, Jean-Marc Bustamante, Daniel Canogar, Rui Chafes, Chema Cobo, Ninar Esber, Joan Fontcuberta, Luis Gordillo, Cristina Iglesias, Cristina Lucas, Annette Messager, François Morellet, Jean-Luc Moulène, Antoni Muntadas, Francis Naranjo, Marina Núñez, Bruno Peinado, Gonçalo Pena, Jaume Plensa, Bernardí Roig, Fernando Sánchez Castillo, Alain Séchas, Bruno Serralongue, Niele Toroni, Tatiana Trouvé, Eulàlia Valldosera y Yan Pei-Ming. Además, Dionisio Cañas y Carlos Edmundo de Ory están presentes en la exposición con algunos poemas.

LIBERTAD IGUALDAD FRATERNIDAD (LIF) plantea el estado actual de estos tres ideales de convivencia en uno de los ámbitos más intensos de enriquecimiento humano: el arte.

Francia y España, España y Francia, antiguos contendientes, hoy hermanos. La participación en la muestra de dos artistas portugueses supone un guiño, un ajuste necesario con la historia ya que Portugal fue un país también hermano en aquellos acontecimientos y en la actualidad.

(Fotografía: Exécution, après Goya / Ejecución (según Goya), 2008.Yan Pei-Ming.
Cortesía Galleria Massimo De Carlo, Milán y David Zwirner, Nueva York)

Patxi Alda presenta un proyecto basado en el concepto del Genoma como proceso artístico de investigación. A partir de este desarrollo conceptual se trabaja sobre el paisaje y su representación, desde un punto de vista sensorial y abstracto.

Para su materialización, el artista utiliza elementos audiovisuales que le van a servir para la narración de su propia experiencia en el paisaje que reproduce.

En su Genoma 0110010 la madera es reencarnada de lo vivo a lo digital para alcanzar lo escultórico, y los elementos proyectados componen un paisaje como noción cultural que captura el deterioro y lo intangible en su representación numérica.

Exposición perteneciente a las Ayudas a la creación Gobierno de Navarra. 

María Jiménez teje un bosque de colores, sombras, sugerencias de árboles oníricos que remiten a lo real.

Un jardín construido y modelado por ella a partir de materiales en los que la suavidad se convierte en inquietante, que se alzan hasta el límite de lo interior y que nos van a permitir adentrarnos en una nueva naturaleza espacial y geométrica.

Con una obra orgánica donde tanto lo natural como lo social se construyen, esta artista pamplonesa juega con los arquetipos femeninos desde lo material para transcenderlos y universalizarlos.

Exposición perteneciente a las Ayudas a la creación Gobierno de Navarra.

Fermín Jiménez propone la creación de una instalación fragmentaria gira en torno al proceso del viaje como experiencia personal y colectiva.

Bajo el ritmo de una subcultura propia del folklore urbano griego y unos intérpretes en rebeldía, donde la tradición se funde con lo reivindicativo entre el humo y los alcoholes fuertes, enraizados en su propio extrañamiento, llega la visión del viajero, su subjetividad, su yo escindido entre lo que percibe y lo que imagina.

Para ello el artista ha realizado un periplo real y estático a Grecia y ha recogido experiencias que se condensan en un audiovisual, en fotografías, música, dibujos. El conjunto será una instalación sobre el viaje desde lo imaginario hasta lo real.

Nerea de Diego se acerca a lo inevitable, la muerte, como algo que sucede siempre fuera del sujeto, marcando claramente la línea divisoria que separa al yo de ese otro que es no-yo.  Lo que sucede siempre a otros, la negación de la única certeza.

Una reflexión no sobre elconcepto de la muerte en sí, sino la experiencia, la impresión que ésta produceen los que nos mantenemos vivos.