Centro Huarte

El montaje de esta exposición tiene algo de rito prenupcial. Las paredes desnudas se van vistiendo de imágenes que las cubren como a un cuerpo expectante, una silueta pensativa, cargada de dudas y anhelos, sobre las que ajustar, probar, corregir… hasta que el traje de ceremonia se descubra cuando llegue el gran día. En “I’m Making Art” las visiones de otros cuerpos que quisieron hacer arte a partir del material más humano constituyen la esencia de una retrospectiva sobre la performance, en la que la grabación permite retener y amplificar actitudes y gestos desde los años 60 a nuestros días. Como el movimiento suave que retira con el pie el taburete antes del suicidio. Una y otra vez, una y otra vez, una y otra vez.

Denis Pernet representante del Centre d´Art Contemporain de Génève

“La de Leigh Bowery gracias a la que pasó de ser considerado una criatura pública a un artista reconocido”, si tuviera que elegir una performance, Denis Pernet, comisario del Centre d´Art Contemporain de Génève, se quedaría con la que este personaje polisexual, multigenérico, extravagante y exquisito realizó en 1988 en el escaparate de la galería Anthony d´Offay en el West End Londinense. “Su relación con el cuerpo contiene muchas referencias: a los modos de vida, a la historia de arte a través de poses clásicas, a diferentes culturas como puede ser el panteón hinduista, a la ruptura de barreras entre géneros… Juega con la ambivalencia sexual con mucho sentido del humor y sofisticación. Como si pudiera haber una posibilidad de estar, y de ser, entre lo animal y lo humano, lo real y lo irreal, lo feminino y lo masculino”. Con un mensaje que transciende lo físico: “la identidad es algo que se construye. Cada uno es maestro de su identidad, que finalmente es la forma con la que nos relacionamos con el mundo”. Algo extremo en el caso de Bowey, con sus maquillajes y exaltación queer, pero que sirve para demostrar que “no somos seres naturales, sino culturales”.

Denis Pernet coordinador de la exposición de “I´m Making Art: Cuatro estudios sobre el cuerpo del artista” que se abrirá al público el próximo 1 de noviembre en nuestro Centro es un gran conocedor de un arte que deja de ser efímero cuando se recurre a la grabación. “Gran parte de las performances se han perdido porque no han sido documentadas, o solo son recordadas en parte a través de fotografías o los textos de quienes las presenciaron”, asegura. Por eso en esta exposición, que mantiene un sutil equilibrio entre la retrospectiva y el estudio temático, presenta grabaciones performances desde los años 60 a nuestros días. Y todo gira alrededor de lo físico y el uso que el artista hace de si mismo. “El vídeo es utilizado para amplificar la propuesta del cuerpo”.

Fotografías/texto fase montaje. I´m Making Art. Berta Bernarte.

¿Por qué el cuerpo?

Es una exposición sobre el cuerpo del artista y lo que este pone en juego como una forma de reflexionar sobre la identidad.

Al hablar de la construcción de la identidad estamos más acostumbrados a referencias sociales y políticas….

En estos trabajos muchas veces el artista emplea su cuerpo físico como una representación de lo social o lo político. Esto es está muy claro en lo referido a la utilización del cuerpo de la mujer en el capítulo que hemos llamado “Feminismo”, en el que hay una crítica del papel que juega lo femenino en la sociedad y de los roles de género.

Suena a reminiscencias de los 60 y 70. ¿Ha cambiado mucho el mensaje en todos estos años?

No tanto. Por eso es interesante esta visión transhistórica. Un par de ejemplos, tenemos el reciente trabajo de Salla Tykkä en el que está peleando contra un hombre en el ring con guants de boxeo y el torso desnudo. Es una forma de homenaje a su padre, además de explorar las relaciones entre el hombre y la mujer. En otra acción más antigua nos encontramos a Martha  Rosler que emplea utensilios de cocina como una amenaza, como armas. A pesar de que el contexto ha evolucionado se encuentran muy cercanas en la intencionalidad. Ambas están de actualidad.

¿Pueden considerarse radicales que busca expresar sensaciones extremas? A fin de cuentas quedan más expuestos que otros artistas.

Hay violencia en las obras, mucha, dirigida hacia el cuerpo, pero también juegan con el humor, son capaces de arrancar una sonrisa. Ellos controlan la situación y se relacionan con el público. Lo que muchas veces nos hace reir son los gestos de quienes los contemplan. Oleg Kulik se transforma en un hombre-perro, que se comporta como un animal agresivo ante el mundo, que ladra, persigue, mira y huele como un perro. Y es sobre todo cómica la reacción del público, su incomodidad y extrañeza.

¿Pero se sigue considerando un arte subversivo o ha perdido esa capacidad de romper con lo establecido? ¿No está ya todo visto?

Depende. La performance permite una cierta subversión, pero sobre todo en la medida en que interactúa con el público. Suele ser muy inmediata. Pero es cierto que también hay una parte que es directamente espectáculo.

Esa faceta de buscar lo efectista, lo puramente estético, ¿ha crecido en los últimos años?

Es cierto que las primeras performances no buscaban el gran espectáculo. No se puede generalizar, pero en esta muestra vemos que son más íntimas, que giran alrededor de aspectos cotidianos, con gestos que se repiten, que se sacan de contexto. Con el paso de los años se percibe una evolución hacia el espectáculo y lo teatral, con muchas referencias precisamente a la historia del teatro. Están muy unidos. Pero creo que siguen estando de actualidad algunas performances que transmiten un mensaje muy fuerte, muy potente a partir de gestos muy sencillos. Y eso se puede comprobar en los diferentes capítulos de “I´m making art”.